Category: Espaço Parlatório

Gustave Coubert, um libertador

Por Clodoaldo Turcato

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Em toda a história da arte, tantos foram os artistas que se posicionaram contra os padrões sociais. Já escrevemos aqui várias vezes a importância que tem estas rupturas para o desenvolvimento da arte e da sociedade – o comodismo engessa. A priori, algumas obras foram tidas como aberrações para depois tornarem-se representantes de guinadas vibrantes rumo ao desenvolvimento humano. As ousadias de Duchamp, Da Vinci, Cèzzane, Picasso, etc. são celebradas constantemente. Agora estamos diante das artes participativa, da tecnologia, das performances. Tudo nos espanta, no entanto são necessárias. O que é bom ou ruim o tempo vai definir.

De todos os desbravadores, um dos mais ousados em termos de estilística foi Gustave Coubert. Estávamos em 1866 e Courbet era já um pintor conhecido em França pela sua destreza técnica, mas sobretudo pela sua atitude crítica e corrosiva em relação à sociedade e moral burguesas, que não perdia ocasião de afrontar. Courbet era um socialista convicto, arrogante e autoconfiante, é preciso dizer. No entanto talvez isso não baste para justificar a obra que realizou nesse ano e que havia de o celebrizar mais do que todas as outras. Ao representar frontalmente as coxas e o sexo de uma mulher, A Origem do Mundo abalou profundamente o meio artístico da época. E não só!

A tela tem um percurso atribulado. Reza a História que um diplomata turco, de nome Khalil-Bey, de passagem por Paris encomendou a Courbet para a sua coleção um quadro, que viria a ser este. Khalil-Bey era um colecionador de arte erótica e tinha já adquirido ao artista uma pintura denominada O Sono ou Adormecidas, representando duas mulheres nuas deitadas sobre a cama em poses sensuais. Possuía também o famoso O Banho Turco, de Ingres, entre outras obras.Pouco tempo depois Khalil-Bey viu-se obrigado a vender diversas peças da sua coleção para pagar dívidas de jogo. Escondida debaixo de uma outra tela de aspecto mais pacífico, A Origem do Mundo foi então comprada por um antiquário, passando de mão em mão até ao seu último dono, o célebre psicanalista francês Jacques Lacan. Após a sua morte, a família doou-o ao Museu d’Orsay, onde se encontra presentemente.

O quadro é profundamente perturbador ou mesmo chocante. O incómodo sentido pelo observador ao olhar de modo tão direto para o sexo que ali se exibe ostensivamente é enorme. Há uma espécie de pudor, de vergonha quase instintiva que se revela em nós ao observá-lo. Mais do que violentar a intimidade do objeto retratado, o artista violenta o público. De resto, Courbet adorava fazê-lo embora nunca tivesse ousado ir tão longe. Porque se atreveu desta vez?À época, na Academia, os estudantes exercitavam-se desenhando as estátuas clássicas de corpo idealizado. Essas estátuas, Apolos e Afrodites, não eram de modo algum assexuadas, mas a representação do sexo era estereotipada, camuflada ou deturpada. Os homens frequentemente tinham uma parra a tapar os órgãos genitais enquanto que nas mulheres nada se via para além da continuidade da pele lisa da barriga. Courbet detestava os académicos e as suas fórmulas – ele que dizia que só podia pintar aquilo que via.Esta tela surge assim como um manifesto contra o academismo, mas também contra a falsidade vigente na Arte e na Sociedade oitocentista. Representa a libertação definitiva do artista de todos os estereótipos! Significativo é o facto da polémica se ficar a dever ao tema e à forma como foi abordado e não às qualidades pictóricas do quadro – se estava bem pintado ou não. A Origem do Mundo foi uma obra inspirada, visionária talvez, um ato estético da maior importância e uma obra de arte de primeira grandeza. A Pintura Moderna talvez tenha começado aqui, com origem no sexo de uma mulher.

Coubert saiu da zona de conforto sem reinventar a arte ou criar uma escola. Com a origem do mundo ele expressou toda a crueza da vida e a beleza de um corpo (que poderia ter sido de um homem, enfim) ao mesmo tempo que alertava a todos que não se poderia ficar somente no expressionismo, e que este deveria ousar mais, chacoalhar o meio para não cair no conformismo comum a todos os movimentos. Courbet liderou o movimento do Realismo na pintura francesa do século XIX, comprometendo-se a pintar apenas o que via. Quando lhe pediram que pintasse anjos ele respondeu que os pintaria se os visse.Rejeitou a convenção académica e o romantismo da anterior geração de artistas plásticos e a sua independência foi um exemplo importante para artistas posteriores, como os impressionistas e os cubistas. Courbet ocupa um lugar de destaque na pintura francesa do século XIX, seja como um inovador seja como artista disposto a fazer declarações socialmente ousadas, através de seu trabalho.

Courbet sempre foi um pintor que criou alguma controvérsia à sua volta, primeiramente pela lacuna criada entre as escolas Impressionistas e Romanticistas. Nenhuma destas escolas definia a pintura de Courbet. Courbet era um pintor realista e não adereçava qualquer tipo de pintura vinda da imaginação, dos sonhos ou mesmo vinda da literatura. Ele retratava com as suas pinturas a vida que estava à sua volta.  Principalmente as questões da vida camponesa, questões relacionadas com a pobreza e com as condições de trabalho.A sua pintura é uma pintura marcada com pinceladas fortes com textura, com forma e eram baseadas no dia a dia que observava. Com o passar dos anos tornou-se cada vez mais polémico.

Para muitos o artista era demasiadamente realista e até desavergonhado. Para outros libertador. Para o público há uma espécie de libertação do olho, dos estereótipos. E esta libertação volta ao artista que se expressa com total emancipação.

 Em 1871, esteve envolvido na Comuna de Paris, chegando a participar de seu breve governo. Logo após, foi preso e recebeu várias multas pela participação no movimento revolucionário socialista. Para escapar das elevadas multas do governo, fugiu para a Suíça, onde foi morar numa velha estalagem na zona rural. Viveu ai até seus últimos dias de forma pobre e quase anônima. Gustave Courbet faleceu em La-Tour-de-Peliz,Suíça em 31 de dezembro de 1877, de cirrose.

Outras obras do artista são Bonjour, Monsier Coubert, Os quebradores de pedras , Um funeral em Ornans,  As banhistas, O ateliê do artista e o Sono.

Na arte é preciso entender o presente para compreender o passado

Por Clodoaldo Turcato

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Quando se escreve sobre arte, normalmente arte italiana, é comum imaginar que a máquina ou a imaginação culminou na Renascença. Isso tudo se deve pelos movimentos posteriores de arte que foram capitaneados por italianos (que tratamos noutras colunas) como a arte Povera, onde os seus adeptos utilizavam materiais de pintura (ou outras expressões plásticas não convencionais, como por exemplo areia, madeira, sacos, jornais, cordas, feltro, terra e trapos) com o intuito de “empobrecer” a obra de arte, reduzindo os seus artifícios e eliminando barreiras entre a Arte e o quotidiano das sociedades, dando origem as instalações, famosas em nosso tempo.

Nos anos 80, surgia na Alemanha o Neoexpressionimo, modalidade artística resgatada a partir da década de 80, ao voltar a registrar os sentimentos pela arte. Foi fortemente influenciado pelo Expressionismo, Simbolismo e Surrealismo. Trouxe de volta a pintura e a escultura, com suas representações críticas, emocionais e subjetivas, após algumas décadas. Formulando o devir da arte em sua história universal. Os artistas costumavam utilizar tintas misturadas a materiais como areia, palha e outros, colados à tela. A arte dos anos 90 e da virada do século reafirma as tendências supracitadas enveredando-se ainda mais na política e causas sociais, ambientais e econômicas. Mostra ainda a proliferação da arte performática, das instalações e suportes associados a gêneros híbridos e materiais variados.

Os Estados Unidos perdem sua hegemonia artística para partes da Europa, e esta se volta para as próprias tradições, buscando encontrar uma identidade própria. Diversos movimentos dos anos 70 se levantaram contra a estética dominante da pop art. Surgiu a arte minimalista, conceitual, tipos de ações (Happenings, Fluxus e os trabalhos de Joseph Beuys, Nam June Paik, Wolf Vostell) e outros. Mas nestas representações, aquela na forma pintura raramente aparecia, criando-se, assim, uma chamada “fome de quadros”. Os artistas dessa corrente tentam uma volta aos elementos pictóricos que tanto marcaram a arte de seus países antes da Segunda Guerra. Eles queriam revisitar a pintura atualizando seu discurso com a cena atual, voltada para as questões contemporâneas. Na Alemanha, em torno de 1980, uma jovem geração de artistas invadiu a cena artística com suas pinturas. E justamente nesta ausência de quadros, estes artistas alemães introduziram suas obras, participando assim do que é denominado Retorno à Pintura. Este movimento teve como principais centros artísticos Berlim, Düsseldorf, Hamburgo e Colônia. Os artistas são fortemente influenciados pelo romantismo e o expressionismo do início do século XX. A pintura desenvolvida por eles é uma forma de expressão em que se podem experimentar diversas concepções de arte. Os países europeus, mais associados a este movimento, trariam uma vasta tradição pictórica. O movimento teve desdobramentos em várias partes do mundo, assumindo múltiplas facetas culturais.

Um dos artistas mais importantes do movimento, que comandou a Europa foi o Francesco Clemente. Nascido na cidade de Nápoles, Itália em 1952. Estudou Latim, Grego, Literatura Moderna e Filosofia. Desde muito cedo se familiarizou com outras culturas e diferentes tradições artísticas, acompanhando os pais nas suas viagens.

A sua obra é maioritariamente autobiográfica. Consiste, na sua grande parte, em desenhos e pastéis, mas apresenta, também, pintura, escultura, mosaico, gravura e fotografia. O trabalho narrativo ou ilustrativo de Clemente não é criado de uma forma tradicional. Um motivo recorrente na sua obra é a ideia da transformação ou metamorfose. Normalmente, o próprio Clemente é o objeto dessas transformações e desenha-se num estádio intermédio entre homem e mulher, entre ser humano e animal, entre ser humano e objeto, ou como uma criatura híbrida. Para este resultado, aplica diversos estilos, variando entre livre e direto a extremamente depurado e sofisticado.

A urgência criativa atrás do seu trabalho é psicológica. Ele investiga, em geral, a condição humana, instintos básicos e experiências desde o nascimento à morte. A “depicturação” que faz do corpo humano é explicitamente sexual; dá ênfase a orifícios (como a boca) e a funções escatológicas. O ser humano físico surge como um intermediário entre o mundo psicológico interno e o universo exterior. As particularidades distorcidas dos seus retratos parecem espelhar a atitude de Clemente em relação à literatura e à filosofia. Ele confia principalmente “naqueles que pensam com o corpo”. As imagens não podem, assim, ser literalmente consideradas como autorretratos. O corpo é normalmente um meio de propor um tema filosófico dentro de uma estrutura complexa. A sua obra é uma rede de referências e relações entre a análise autobiográfica, autorretratos mutantes, fantasias eróticas e excêntricas expressões anatómicas. Tudo isto combinado com uma fascinação pelos sistemas metafísicos (cristianismo, alquimia, astrologia e mitologia) todos eles sendo reinterpretados por variadas correntes artísticas. Com todos estes elementos ele constrói um labirinto que nem sempre é fácil de decifrar.

Uma obra que resumo toda sua magistral capacidade de adaptar-se é Autorretrato: o primeiro, uma mistura de guache, aquarela montado em papel sobre tela medindo 112×147. O artista nu fixa seu olhar penetrante no observador, que se sente compelido a devolver o olhar. O quadro ilustra a propensão quase erótica do artista à auto exploração e a auto exposição. A figura é tratada de maneira expressiva, ao passo que os pássaros simbolizam a supremacia da subjetividade e da imaginação sobre a razão. O quadro é um exemplo da tendência neoexpressionista chamada Transvanguarda, que se concentra em obras figurativas expressivas feitas em grande escala. Seu trabalho é construído com o que ele chama “lugares-comuns”, isto é, fragmentos de experiências que convergem numa rede de relações. Clemente posiciona o seu trabalho entre a ideia e a imagem, uma atitude que não é determinada pela sociedade.

Repetindo-me, é muito necessário ao apreciador estudar artistas como Clemente. A partir da compressão do trabalho destes artistas que iremos verificar as diferenças e semelhanças de todos os movimentos artísticos e compreender a importância destes no decorrer da História. Assim, com toda certeza, não iremos pisar no molhado e enganoso processo de achar que os movimentos atuais não passam de bobagens.

Outras obras do artista são Maps of What is Essortless, Twins, Priapea, Moon, Name e Meditation.

A beleza de um impressionista americano

Por Clodoaldo Turcato

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Quando o movimento impressionista surgiu, a crítica francesa, principalmente, dizia que os quadros eram inacabados. Escreveram de tudo. Que os quadros não despertavam em nada a percepção do espectador, que as obras não valorizavam o aprendizado acadêmico, que eram apenas jovens rebeldes, que infringiam os costumes franceses e até decretaram a morte da arte. Nada era belo. Uma experimentação apenas.

Hoje, ao rever tudo isso, sabemos que são asneiras de críticos que tinham birra com os pintores impressionistas por retratarem o dia-a-dia, dando oportunidade àqueles que nunca teriam oportunidade de estarem numa tela, como lavadeiras, sapateiros, operários, prostitutas, etc e assim escancaravam a desigualdade social da Europa e nesta bela aventura, quebravam o sistema mercadológico da época, se bem que depois de cinquenta anos os impressionistas foram confiscados pelo sistema.

A beleza da arte foi questionada. Os belos quadros de Monet, Degas e Cèzzane foram taxados de inferiores aos acadêmicos de então. Um dos poucos que se salvou das enxurradas de críticas negativas foi William Merritt Chase. William Merritt Chase nasceu em 1 de novembro de 1849, em Williamsburg (agora Nineveh ), Indiana. O pai de Chase mudou a família para Indianápolis em 1861 e empregou seu filho como vendedor na empresa familiar. Chase mostrou um interesse precoce pela arte e estudou sob os artistas locais Autodidata Barton S. Hays e Jacob Cox .

Depois de um breve período na Marinha, os professores de Chase o instruíram a viajar para Nova York para promover seu treinamento artístico. Ele chegou à Nova York em 1869, conheceu e estudou com Joseph Oriel Eaton por um curto período de tempo, depois se matriculou na Academia Nacional de Design sob Lemuel Wilmarth , estudante do famoso artista francês Jean-Léon Gérôme .

Em 1870, as fortunas da família em declínio forçaram Chase a sair de Nova York para St. Louis, Missouri, onde sua família estava baseada. Enquanto ele trabalhava para ajudar a apoiar sua família, ele se tornou ativo na comunidade artística de St. Louis, ganhando prêmios por suas pinturas em uma exposição local. Ele também exibiu sua primeira pintura na Academia Nacional em 1871. O talento de Chase suscitou o interesse dos ricos colecionadores de St. Louis que o convidaram a visitar à Europa por dois anos, em troca de pinturas e a ajuda de Chase para garantir a arte europeia para suas coleções. Na Europa, Chase instalou-se na Academia de Belas Artes de Munique, um centro de formação artística de longa data que estava atraindo um número cada vez maior de americanos e atraiu Chase porque tinha menos distrações do que Paris. Estudou sob Alexander von Wagner e Karl von Piloty e fez amizade com os artistas americanos Walter Shirlaw , Frank Duveneck e Frank Currier.

Em Munique, Chase empregou seu talento rapidamente crescente, mais frequentemente, em trabalhos figurativos que ele pintou no estilo vagamente escovado, popular entre seus instrutores. Em janeiro de 1876, uma dessas obras figurativas, um retrato intitulado “Keying Up” – The Court Jester foi exibido no Boston Art Club; mais tarde naquele ano foi exibido e ganhou uma medalha na Exposição do Centenário da Filadélfia, e esse sucesso ganhou a primeira fama de Chase. Viajou para Veneza, Itália em 1877 com Duveneck e John Henry Twachtman antes de retornar aos Estados Unidos no verão de 1878, um artista altamente qualificado que representa a nova onda de talentos americanos educados na Europa. Na América, ele exibiu sua pintura Ready for the Ride (coleção do Union League Club) com a recém-formada Society of American Artists em 1878. Ele também abriu um estúdio em Nova York no Tenth Street Studio Building, lar de muitos dos importantes pintores do dia. Ele era membro dos Tilers, um grupo de artistas e autores, entre os quais alguns de seus amigos notáveis: Winslow Homer, Arthur Quartley e Augustus Saint Gaudens .

Mesmo sendo dos Estados Unidos, Chase foi considerado um impressionista por pintar ao estilo europeu de então. Mas Chase não era apenas impressionista. Tinha talento e dominava diversas técnicas, sendo considerado por muitos um clássico. Uma de suas obras mais belas é Uma visita amigável, um óleo sobre tela medindo 76,8 X 122,5 cm, que se encontra no National Gallery, em Washington, Estados Unidos. Duas mulheres elegantes conversam, sentadas num sofá. A luz do sol enche a sala, iluminando os tons claros da paleta do artista. Esta não é uma cena formalmente pousada, mas uma situação do dia-a-dia onde as pinceladas soltas, uma das características dos impressionistas, abundam, além da informalidade e do vigor. A cor neutra contrasta com o marrom e verde que circunda a obra. Ao olhar para a obra, o espectador descansa os olhos numa tênue e sútil emoção. A paisagem é leve e silenciosa, mesmo que se perceba que a visitante é recém-chegada, pois ainda está com seu véu sobre o rosto e o guarda-chuva na mão. Ainda pode-se observar que não existem copos ou xicaras na tela, denotando que nada tenha sido servido.

Se os impressionistas em geral procuravam expor o dia-a-dia das minorias, Chase inverte o processo e demonstra, em quase toda sua obra, a burguesia em suas casas, ruas e prazeres. A obra de Chase não é uma contestação ou nem mesmo política. O pintor quer mostrar a vida cotidiana sem se preocupar se o trabalho irá mudar o mundo. Isso não encontramos na obra de Chase. Ele, por certo, não se imaginava num movimento tão profundo como o impressionista.

A busca por Chase de um olhar moderno infunde uma série de cenas do parque de Nova York que ele pintou entre 1886 e 1890 . Os parques públicos de Nova York, como aqueles em outros lugares, responderam a crescimento urbano e eram emblemáticos da era moderna. Fatores pessoais, aparentemente, levaram Chase a pintar parques da cidade. Embora Chase fosse um impressionista bem sucedido, ele nunca abandonou as referências à tradição, especialmente na sua obra Retratos e vidas mortas. Posicionando-se como um artista da sociedade, ele muitas vezes pintou imagens de seus alunos como “amostras”, mostrou-os amplamente e deu-os a instituições líderes, como no caso de Lady in Black que ele doou ao Museu Metropolitano em 1891. Chase, que morreu em Nova York em 1916, foi uma testemunha talentosa de sua era, reunindo impressões de Vida urbana do final do século XIX e o lazer rural no exterior e em casa, e tecendo juntos muitos impulsos mestres modernos e antigos para criar um relato distinto de seu tempo e lugar.

Outras obras de Chase são Uma varanda veneziana, Retrato de Miss Dora Wheeler, Uma Magdalena Moderna, Um Passeio da tarde, Menina em um traje japonês e No estúdio.

Eu nunca fui feminista

Por Clodoaldo Turcato

20938658_1381500245281404_785749661_nQuando fui convidado pelo querido Adriano Portela para escrever esta coluna de arte, aceitei de pronto, pois entendia que faltava alguém que escrevesse de maneira simples e até coloquial sobre artes plásticas. Todos os escritos que se vê sobre arte às vezes mais embrulham do que destrincham. Os críticos partem para o lado teórico e a pessoa que busca compreender uma obra de arte, principalmente abstrata, fica perdido em palavras e conceitos.

A proposta era escrever para que quem lesse compreendesse obras de Jackson Pollock e desmistificasse a ideia de que aquilo era apenas tinta jogada na tela, ou que O quadro negro de Kazimir Malevichnão passe duma aberração artística, uma galhofa de dois quadrados que qualquer pessoa com um mínimo de coordenação motora faria. Enfim, o objetivo desta coluna, que irá completar três anos, sendo publicada todas as segundas-feiras (com raras exceções de esquivo) é desenrolar este bicho feio chamado arte plástica e expor os reais motivos da eterna pergunta “por que aquele quadro de Pablo Picasso é tão estimado?”

Não sei se respondemos isso ainda.

De qualquer maneira, neste caminho intensificamos os estudos, buscamos referências, artistas, museus, galerias e sites e muitos livros para reforçar os argumentos. Simplificar arte não é fácil. Para isso é fundamental se aprofundar, digladiarmos com conceitos, argumentos, teses e depois transformar tudo em compreensível para o leigo ou leiga.  Neste percurso intelectual, comprovei um processo enfadonho, cruel e mesquinho que sempre excluiu a mulher artista.

No passado, existia ainda mais dificuldade para as mulheres que desejavam seguir o caminho da criação, pois, além de a sociedade ser completamente machista, com a mulher tendo seu papel enclausurado no lar, sem trabalhar, havia outras complicações. Em algumas épocas, escolas de arte que aceitavam garotas eram poucas, e as que aceitavam cobravam mais delas do que deles. Também, seria mal visto uma artista desenhar a partir de um modelo nu masculino, importante para o aprendizado da anatomia do homem, além de ser também um problema ficarem horas sozinhas com um homem que deveria ser retratado, por exemplo. Se esmiuçarmos os livros de arte deste período iremos encontrar Sofosniba Anguissola e duzentos anos depois Artemisia Gentileschi, artistas que tiveram reconhecimento, no entanto vidas privadas tumultuadas, já que pintar era ofício de homem. No entanto, é abundante o nome de artistas homens que se descrevem nestes manuais, como maravilhosos, exuberantes, gênios e tal. Para as mulheres sobram as migalhas de “mesmo sendo mulher ela conseguiu ser artista” .

Ao chegarmos ao impressionismo e expressionismo, oriundos de países ditos libertários e libertinos como a França, a mulher artista sempre esteve abaixo do homem pintor. Grandes são Claude Monet, Paul Cézanne, Edgar Degas, Pierre-August-Renoir, Camille Pissaro e Henri Matisse.  Berthe Morisot, Mary Cassatt, Eva Gonzalès e Lila Cabot Perry, dentre outras, são citadas mais como namoradas, amigas, amantes e conhecidas ou alunas de homens que pela própria obra em si.

No Brasil, o movimento da Semana de Arte Moderna de 1922, tida como revolucionária, uma proposta nova de ver arte e principalmente quebrar os conceitos da tradicional família brasileira, expôs poucas mulheres, como Pagu, Anita Malfati, Tarcila do Amaral e Elsie Houston, sempre com a entonação de quase piedade, como algo raro e espetacular, uma sensação de que por trás de grandes obras como Tropical e O Àbaporú, estaria um macaco adestrado.

Na noite de 17 de agosto, estive no Instituto de Arte Contemporânea, no Bairro do Benfica, participando do lançamento do livro De Sinhá prendada a artista visual, um projeto coordenado pela Doutora Madalena Zacarra, com as pesquisadoras Bárbara Collier, Marluce Carvalho e XavanaCelesnahe produzida pelo artista Itamar Morgado, com apoio do Funcultura. O livro reúne 87 perfis – que compreendem dados biográficos, cronologia, acervo de crítica sobre a obra e comentário – de artistas que viveram no Estado entre 1900 e 2016. Além disso, 118 outras criadoras tiveram seus dados registrados, pois não foram encontrados dados suficientes para um perfil completo. O que me impressionou neste trabalho, além da qualidade inquestionável do trabalho em sim, foi o grande número de trabalhos “esquecidos” ou maquiados por uma sociedade paternalista, parcial e apoiada em conceitos machistas.

Eu, no início citei que precisei estudar para escrever, ou simplificar. De tudo, e todos meus apanhados, pouco ou nada ouvira de Fedora Rego Monteiro, aceita em grandes salões da Europa e pouco valorizada no Brasil e Recife onde nasceu e morreu.  Menos vi de Maria Francelina que ousou pintar temas fora da mitologia ou religião e com seu belo Modelo em Repouso escancara sua técnica maravilhosa. Tantas vezes me maravilhei com o belo Vitral da Biblioteca Central da UFPE, sem saber, ou querer saber, que se tratava de uma criação de Aurora de Lima.

Sem um trabalho como este, como sabería de Marianne Peretti, Lenira Regueira ou Teresa Costa Rêgo?  Temos o privilégio de compreender mais de Isa do Amparo, Janete Costa e Ana Ivo. Como é bom ver as cores de Margot Monteiro e a singeleza de Suzana Azevedo, além da expressividade de Ana Santiago. Somente uma pesquisa refinada como essa tem condições de revolver o passado e expor o presente da criação artística da mulher pernambucana. Expor a mulher sem medos, como faz Bárbara Collier e Barbabra Rodrigues e que isso fique registrado para posteridade, é necessário, fundamental para a memória, o futuro dos estudiosos e apreciadores de arte e principalmente para compreender o processo de evolução da sociedade, com todas as mazelas sofridas pela mulher artista ou não.

Convido as leitoras e leitores a terem este livro em suas mãos. É um passeio itinerante pela história da arte, com conceito, profissionalismo, e mesmo sendo um livro criado por mulheres feministas, não levanta esta bandeira, apenas expõe a dura realidade destas mulheres nascidas para cama e mesa, que resolveram buscar seu lugar e o fazem sem meias verdades ou sombras. Elas são artistas e fim. O trabalho de ontem e de hoje cá está, o gosto pessoal e a extensão deles não cabe discutir hoje. O livro é o nosso objeto. As produções e suas artistas precisam ser registradas e ovacionadas. O passado e o presente refletem o quanto fomos e ainda precisamos evoluir na busca urgente de soluções que não escondam estas memórias.

Confesso que esta coluna não me tornará mais ou menos feminista. Não sou! Este livro me faz rever métodos e procurar melhor neste palheiro que o preconceito insiste em esconder. Talvez ao final da leitura deste trabalho eu me torne um estudante melhor, mais capacitado e encontre na Sereia de Cláudia Santos o verdadeiro conceito do ser homem, sem ser machista. 

O incrédulo Tomé, um quadro pintado por anjos e Caravaggio

Por Clodoaldo Turcato

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Algumas obras de arte são míticas. Já se falou demais em Monalisa e teorias surgem todos os anos, sem que se saiba exatamente o que o pintor Italiano pensava naquele momento em que tinha Gioconda diante de seus olhos. Eu, mais um “teorista”, imagino que ele estaria apenas testando um novo experimento e o fato de ter criado Monalisa foi um acaso, que poderia ter sido repassado a obras como um gato, um cão, um pássaro… enfim, um contexto de claro e escuro, composição e temática tão comum a Da Vinci.

De qualquer maneira, Monalisa impressiona pela técnica, mesmo que a maioria dos que sabem do quadro não compreenda o porquê de tanta fama se é “apenas uma mulher sorrindo.” Não é isso, e comentamos sobre isso noutros textos – Não irei me repetir. Algumas outras obras são tão impressionantes quanto, e vou escrever sobre uma delas hoje, que ao meu primeiro olhar me deixou estupefato.

Aos que me classificam como modernista ou “um cara que gosta apenas dos quadros fáceis de pintar”, este texto vai demostrar que sigo com coerência minhas observações: eu não gosto de arte fácil de pintar. Eu gosto de arte. Eu tento entender a arte e não sou modernista, sou um crítico que procura o mérito sempre em detrimento do demérito. Portanto, um quadro sendo bom vai me encantar sempre. Um dos maiores mestre de todos os tempos foi Michelangelo Merisi ou Amerighi, conhecido como Caravaggio. Sua morte desgraçada ou sua suposta homossexualidade (isso em nossos tempos) são temas recorrentes. Vejam os senhores. Que pena que seja a desgraça o primordial em alguns críticos. E sua obra? E os quadros? Caravagio foi escolhido o maior pintor de Roma, isso em tempos de Rubens. Ele foi o mestre maior do Barroco e dono de uma técnica inconfundível, superior, divina.

Esta impressionante técnica foi demostrada em sua obra O incrédulo Tomé, um Óleo sobre tela medindo 107×146 cm, que está em Potsdam, Berlim, Alemanha. Depois da crucificação, São Tomé toca as feridas de Cristo para ver se são reais. As cabeças de Jesus e dos três Apóstolos são o foco da composição. O momento é intenso – os apóstolos olham por cima de São Tomé, que, com a testa muito franzida, mergulha o dedo no flanco de Jesus. O impacto deste detalhe chocantemente realista e ampliado pela luze sombras intensas.

A tela pintada por Caravaggio volta de 1601, por encomenda do Marchese Vincenzo Giustiniani, para a galeria de pinturas de seu palácio, conforme consta em: “A vida dos escultores pintores e arquitetos” de Giovan Pietro Bellori, publicado em 1672, em Roma, e também por muitos documentos que se relacionam com o inventário. Caravaggio constrói a pintura através de uma estrutura simples que, a essencialidade da cena aponta direto para o coração da narrativa evangélica. Cristo é cercado por três apóstolos, incluindo Pedro, por trás, e os outros dois na posição mais alta, e Tomé, que assustou, ao se deixar levar pelo próprio Cristo e colocá-lo na ferida em seu lado. Jesus é representado com uma tez mais clara do que o grupo de apóstolos, criando, assim, um forte contraste cromático que resultaria na narrativa; para levar os fiéis a um envolvimento direto na ação, fazendo presente do que está acontecendo debaixo de seus olhos, e para enfatizar a fisicalidade do Cristo ressuscitado como o texto do Evangelho descreve.

Os três apóstolos de sobrancelhas franzidas espontaneamente (curvas salientes) perante o mistério da Ressurreição, seus olhos e bocas estão de alerta e abertos sem uma palavra, como que petrificados; ‘um retrato do momento em que são pegos de surpresa’; diferencia a atitude psicológica de Tomé, que tem os olhos arregalados e perdeu com o olhar atônito para o abismo do que ocorre na sua frente. Jesus, inclinando a cabeça, com a mão direita desvia suavemente capa, mostrando a ferida no lado ainda em aberto e com a mão direita do apóstolo, introduzindo o dedo trêmulo de Tomé na ferida em seu lado; seu rosto parece sugerir uma expressão de dor imperceptível enquanto acompanhava o gesto que realiza com a mão de Tomé. O dedo de Tomé mergulha na carne de Jesus; a mão áspera com unhas sujas de seu trabalho diário, é a mão de todos os que são chamados por fé para crer em Cristo. O ceticismo derrete na maravilha; olhos estão bem abertos na frente dessas feridas e a boca tremendo gagueja em uma voz fraca: “Meu Senhor e meu Deus!”.

A pintura de Carravaggio apresenta uma das questões centrais do Barrico – o questionamento do pensamento religioso e, por consequência, o questionamento da existência de Deus. Tomé precisa ver para crer, assim como o homem barroco, que não aceitava mais silenciosamente os preceitos católicos, como o homem medieval. A dúvida de Tomé, metaforicamente, representa a dúvida do homem renascentista dia da perspectiva do pensamento vigente: na arte barroca, há uma tensão que nasce da tentativa de fundir visões opostas – perspectiva de antropocêntrica, herdada do Renascimento, e a teocêntrica, resgatada pela Contrarreforma, como fica evidente na dúvida demostrada por São Tomé. Tomé precisa primeiro se certificar, colocar o dedo na ferida e depois acreditar.

Caravaggio foi um criador de um movimento sozinho. Ao contrário do que se poderia imaginar, aproveita seu papel como artista “sacro” para desacreditar a própria religião. Poucos percebem que em obras como Judite e a decapitaçãoHolofernes, Salomé com a Cabeça de São João Batista, Medusa, Cristo na coluna, Flagelização de Cristo, Narciso, Cristo coroado com espinhos, David com a cabeça de Golias, A decapitação de São João Batista, A negação de Pedro, O sacrifício de Isac, Baco doente e O descanso em viagem ao Egito (onde usou prostitutas como modelo), o artista se utiliza de duetos,  formas metafóricas para demostrar sua descrença em religiões e tudo aquilo que não pode constatar.

Depois de parar para refletir em tudo isso, o leitor ou leitora, irá perceber que não tinha visto isso. Então percebam que tantas vezes não vemos o que está diante de nosso nariz por pura preguiça ou preconceito. Mesmo desatento, uma obra de Caravaggio deixará sua marca em qualquer espectador. Não se trata apenas de crer ou não em Deus. Isso é irrelevante. Se tratar de olhar a obra, entrar no quadro e sentir as emoções de seus componentes. Isso poucos quadros conseguem. O quadro O Incrédulo Tomé é um caso.

A arte do sonho aflito

Por Clodoaldo Turcato

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Um sentimento incomoda. Um estado de visagem. Pequenos fragmentos do sono. Sonho. Irreal, extrema sensação de aflição. Isso pode acontecer num quadro? Pode, claro que pode. Alguns pintores conseguem nos fazer sentir sensações extremas, calos na alma ou simplesmente nos forçam a olhar para o lado. Um dos pintores que mais me arrepia e me condiciona a sentimentos estranhos é Mar Chagall.

Seu nome era Moïshe Zakharovich Shagalov nasceu em 7 de julho de 1887 em uma família pobre, de dez filhos, na cidade Vitebsk, Rússia. Sua iniciação no universo das artes plásticas ocorreu em sua própria terra natal, no ateliê de um célebre pintor de retratos local. Dele Marc herdou tanto o ofício da pintura, quanto o prazer estético e a inclinação para expressar sua vocação artística.

Em 1908 ele entrou na Academia de Arte de São Petersburgo, daí partindo para Paris, o centro da cultura e da arte. Antes disso, porém, em uma passagem por sua aldeia, conheceu Bella, com quem mais tarde se casaria, retratando sua musa em 1909.Um ano depois já se encontrava na capital francesa, ao lado de Blaise Cendrars, que batizaria grande parte de suas obras, de Max Jacob e Apollinaire, bem como dos pintores Delaunay, Modigliani e La Fresnay.Na cidade-luz ele conheceu todas as nuances da arte moderna e das vanguardas, lutando para encontrar um espaço para suas miragens oníricas no universo de fauvistas e de cubistas.

Neste contexto em que imperava um sistema filosófico que valorizava apenas a forma, marcado também pela abstração, sua obra se distinguia pela presença do conteúdo temático surreal, o qual revela suas origens nas esferas emocionais e culturais do pintor.

Guilhaume Apollinaire escolheu as telas de Chagall para a exposição que realizou em 1914, em Berlim, na galeria Der Sturm. Essa exposição teve grande influência sobre o expressionismo de pós-guerra.

De volta à Rússia, quando explode a Primeira Guerra Mundial, Chagall é mobilizado, contrariando estas diretrizes, ele permanece em São Petersburgo, casando-se com Bella, seu grande amor, em 1915.Após o desabrochar da Revolução Socialista de 1917 o artista alcança o posto de comissário de belas-artes, no governo de Vitebsk, sua aldeia natal. Ele institui então sua própria escola artística, livre para incluir qualquer inclinação modernista; ao mesmo tempo ele cria murais para o teatro judaico de uma escola local.

Voltando para Paris, em 1922, reconhecido e recebido como grande pintor, ele atende a uma encomenda empreendida pelo editor Ambroise Vollard, ilustrando o Livro Sagrado e realizando 96 gravuras para um exemplar do livro Almas Mortas, do escritor Gogol, o qual só seria lançado em 1949. Uma versão das Fábulas de La Fontaine foi também ilustrada por Chagall, em 1927. Sua etapa paisagística, marcada pela temática das flores, pertence a este período.

A partir de 1935, o clima de perseguição e de guerra repercute em sua pintura, nas quais surgem elementos dramáticos, sociais e religiosos.Em 1941, parte para os EUA, onde sua esposa falece em 1944. Chagall mergulha, então, em um mundo de evocações, quando conclui o quadro “Em torno dela”, que se tornou uma síntese de todos os seus temas.

Uma das obras que resume o conceito de Chagall é Sobre a cidade, um óleo sobre tela medindo 400×200 cm. Acima de uma cidade construída por simples casas de madeira e celeiros, duas figurasfantásticas coam pelo céu. A mão do homem gentilmente aconchega o peito da mulher. Eles parecem amantes e talvez estejam fugindo. A cidade exótica e ingenuamente composta, pintada em blocos de cor, com bonitas cercas de madeira e tons quentes, mostra o interesse de Chagall por contos de fadas. Muito da imagística do artista russo tem raízes no folclore judaico de sua infância. O quadro nos dá a sensação de fuga e ao mesmo tempo de superioridade sobre a pequena cidadela, que aparentemente dorme enquanto o casal passa sem destino, olhando para trás, temendo a perseguição – angústia.

No âmbito da arte contemporânea, marcada pelo formalismo e a abstração, a pintura de Chagall se destaca pela importância que tem nela o elemento temático, de fundo onírico, que, por sua vez, reflete as profundas raízes afetivas e culturais do artista. Sua obra, moderna, assimilou todas as conquistas formais da arte contemporânea.Com o final da guerra, ele volta de vez para a França, e neste país ele elabora as famosas pinturas dos vitrais da Universidade Hebraica de Jerusalém.Nos anos 50 Chagall viaja várias vezes para Israel, atendendo a diversas encomendas. Seus vitrais e mosaicos também se tornaram célebres, e pode-se dizer que ele demonstrou igual cuidado com a cerâmica.Em 1957, a 4ª Bienal de São Paulo dedicou uma sala especial às obras de Chagall.

Em 1973, como uma homenagem ao artista, foi aberto o Museu da Mensagem Bíblica de Marc Chagall, em Nice, cidade francesa. Quatro anos depois o Estado francês entregou-lhe a Grã-cruz da Legião de Honra.Ele morreu em Saint-Paul-de-Vence, cidade do sul da França, no dia 28 de março de 1985, como um dos maiores e mais famosos pintores do século XX.

Chagall desperta de maneira zombeteira os nossos mais profundos medos, repassando em nosso cotidiano o sonho do mundo onde a sensação predomina. Não é belo nem feio, e nem pretende ser um dos dois. Chagall é cirúrgico quando nos afeta.

Outras obras do pintor são Eu e a princesa, O prometido, A chuva, Maternidade, Maria cortando o pão e O violinista verde.